Madonna - True Blue

Publicado el 30 de junio de 1986, "True Blue" es el tercer álbum de estudio de Madonna con el que fue N.º 1 en las listas de 28 países, un hecho sin precedentes que le otorgó el récord de Álbum Femenino Más Vendido con más de 25 millones de copias por todo el mundo. Estuvo 34 semanas consecutivas en la cima de la European Top 100 Albums chart, más de lo que cualquier otro álbum haya logrado, y fue el álbum más vendido en 1986. Para su grabación, Madonna trabajó en conjunto con Stephen Bray y Patrick Leonard, además de haber participado en la composición, consolidando su papel como artista completa capaz de escribir, producir y conceptualizar su propio material.  

01.Papa Don't Preach
02.Open Your Heart
03.White Heat
04.Live to Tell
05.Where's the Party
06.True Blue
07.La Isla Bonita
08.Jimmy Jimmy
09.Love Makes the World Go Round
10.True Blue - The Color Mix (Bonus)
11.La Isla Bonita - Extended Remix (Bonus)

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El álbum incluye algunos de los sencillos más emblemáticos de su carrera como "Live to Tell", "Papa Don't Preach", "True Blue", "Open Your Heart" y "La Isla Bonita", cada uno de ellos alcanzando posiciones destacadas en las listas mundiales. "True Blue" se convirtió en el álbum más vendido de los años 80 por una artista femenina, estableciendo definitivamente a Madonna como la "Reina del Pop" y demostrando su capacidad para combinar éxito comercial con sofisticación artística. El álbum le valió su segunda nominación al Grammy en la categoría de Mejor Interpretación Vocal Pop Femenina por "Papa Don't Preach". Este trabajo representa la perfecta síntesis entre la Madonna provocadora de sus inicios y la artista madura que emergía y que influenciaría a generaciones posteriores. Su éxito masivo confirmó que Madonna había trascendido las modas pasajeras para convertirse en un fenómeno cultural duradero.

Caifanes - El Nervio del Volcán

Grabado en los O'Henry Sound Studios de Burbank en California y publicado el 29 de junio de 1994, "El Nervio del Volcán" es el cuarto y último álbum de estudio de Caifanes, un disco de gran éxito comercial que coincidió con el mejor momento de la banda cuando participaron en el festival WOMAD y fueron teloneros de los Rolling Stones en Ciudad de México. "El Nervio del Volcán" fue un punto álgido de la explosión del rock en español y una seria evolución en el sonido de la banda mexicana. Para este álbum ya no estaban ni Sabo Romo en el bajo ni Diego Herrera en los teclados y saxo, pero el disco se enriqueció con las maravillosas composiciones de Alejandro Marcovich y con el bajo de Federico Fong, quien luego se uniría a Jaguares. 

01.Afuera
02.Miedo
03.Aquí no es así
04.Ayer me dijo un ave
05.Hasta que dejes de respirar
06.Aviéntame
07.El animal
08.Quisiera ser alcohol
09.Pero nunca me caí
10.El año del dragón
11.La llorona

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El disco resultó necesario, ecléctico y soberbio, siendo la resistencia plena de los componentes esenciales del trío formado por Saúl Hernández, Alejandro Marcovich y Alfonso André. Los Rolling Stones se presentaron en México entre el 14 y el 20 de enero de 1995 como parte de la gira promocional de su disco "Voodoo Lounge", conciertos en los que Caifanes participó como telonero, consolidando su estatus como una de las bandas más importantes del rock mexicano. Este álbum se convirtió en el canto del cisne de Caifanes, marcando tanto su cumbre artística como el final de una era dorada del rock en español. La banda se separó poco después, tras un último concierto en San Luis Potosí en agosto de 1995, dejando "El Nervio del Volcán" como testimonio de su brillantez creativa y su impacto duradero en la música latinoamericana.

Caifanes interpretando la canción "Ayer me dijo un ave"
durante su actuación en el "MTV Unplugged" en octubre de 1994.

Podcast Carne Cruda - Manolo García : El Último De La Fila

Escucha "Carne Cruda - Manolo García: el último de la fila (#705)" en Spotify.

Whitney Houston - Whitney

Publicado en junio de 1987, "Whitney" es el segundo álbum de estudio de la cantante Whitney Houston y fue el primer álbum de una artista femenina en debutar en el puesto nº1 en Estados Unidos logrando siete nº1 consecutivos superando los seis compartidos por The Beatles y los Bee Gees, y que lograría vender más de 25 millones de copias por todo el mundo.

01.I Wanna Dance With Somebody (Who Loves Me)
02.Just The Lonely Talking Again
03.Love Will Save The Day
04.Didn't We Almost Have It All
05.So Emotional
06.Where You Are
07.Love Is A Contact Sport
08.You're Still My Man
09.For The Love Of You
10.Where Do Broken Hearts Go
11.I Know Him So Well

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Vangelis - Blade Runner (Banda Sonora Original)

Publicada el 6 de junio de 1994, "Blade Runner" es la banda sonora original de la película homónima dirigida por Ridley Scott y estrenada en 1982, compuesta e interpretada por el músico griego Vangelis. Pese a ser una de las composiciones más aclamadas del cine moderno, su edición oficial se hizo esperar más de una década. Esta versión de 1994 no incluye todos los temas presentes en el filme, pero recoge gran parte de las piezas clave que ayudaron a definir la atmósfera única de Blade Runner. La música de Vangelis construye un paisaje sonoro denso y evocador, combinando la calidez de arreglos clásicos con la frialdad de sintetizadores analógicos, en una mezcla que abraza géneros como la electrónica, el ambient y el new age. El resultado es una banda sonora que no sólo acompaña, sino que amplifica la visión distópica y poética de un Los Ángeles futurista y lluvioso, teñido de neón y melancolía. 

01.Main Titles
02.Blush Response
03.Wait For Me
04.Rachel's Song
05.Love Theme
06.One More Kiss, Dear
07.Blade Runner Blues
08.Memories of Green
09.Tales of the Future
10.Damask Rose
11.Blade Runner (End Titles)
12.Tears in Rain

ESCUCHAR LA B.S.O. DE BLADE RUNNER

Nominada en 1983 a los premios BAFTA y Globo de Oro como Mejor Banda Sonora Original, "Blade Runner" es hoy considerada una obra maestra del género, clave en la evolución de la música electrónica y en la consolidación del culto cinematográfico alrededor del film. Más que una simple banda sonora, es una experiencia sensorial que redefine el concepto de música para cine: emocional, atmosférica y absolutamente atemporal. 

Prince & The Revolution - Purple Rain

Publicado el 25 de junio de 1984, "Purple Rain" es el sexto álbum de estudio de Prince y el primero con su banda The Revolution, también es la banda sonora de la película homónima que ganó un Óscar a Mejor Banda Sonora Original. El álbum fue escrito y grabado principalmente entre mayo de 1983 y marzo de 1984, con las últimas tres canciones "I Would Die 4 U", "Baby I'm A Star" y el tema que da título "Purple Rain" grabadas en directo durante el concierto del 3 de agosto de 1983 en el First Avenue de Minneapolis. "Purple Rain" marcó la primera vez que Prince permitió que su banda The Revolution tuviera un papel más prominente en la grabación, alejándose ligeramente de su habitual control total sobre todos los instrumentos.

01.Let's Go Crazy
02.Take Me With U
03.The Beautiful Ones
04.Computer Blue
05.Darling Nikki
06.When Doves Cry
07.I Would Die 4 U
08.Baby I'm a Star
09.Purple Rain

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El álbum permaneció en el número 1 de la lista Billboard 200 durante 24 semanas consecutivas, desde agosto de 1984 hasta enero de 1985, manteniéndose en el top 10 durante 32 semanas y vendiendo más de 25 millones de copias mundialmente. La gira que siguió al lanzamiento se extendió durante cinco meses con 98 conciertos, consolidando la reputación de Prince como uno de los artistas más electrizantes del escenario. "Purple Rain" representa la perfecta síntesis del talento compositivo, la maestría instrumental y la visión artística de Prince, combinando elementos de rock, funk, pop y R&B en una obra cohesiva que trascendió géneros y generaciones. Su influencia perdura como uno de los logros más destacados de la música popular de los años 80. Es uno de los mejores álbumes de la historia de la música y ampliamente considerado como la obra maestra de Prince vendiendo más de 22 millones de copias en todo el mundo. La revista Rolling Stone lo nombró el segundo mejor álbum de los 80 y lo posicionó en el puesto 72 de su lista de "Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos".

Duncan Dhu - Autobiografía

Publicado en 1989, "Autobiografía" es el quinto álbum de estudio de Duncan Dhu, un álbum doble que fue el primer álbum español en editarse en formato CD y que estuvo nominado en la categoría de Mejor Artista Latino en los Premios Grammy. Tras el abandono del grupo del batería Juan Ramón Viles, el ahora dúo formado por Mikel Erentxun y Diego Vasallo cuentan en este trabajo con la colaboración en los coros de Cristina Lliso (Esclarecidos), de Sam Brown, y de Colin Vearncombe (Black) en "Rozando la Eternidad" y en "Amarga".
Además de en España y Latinoamérica, el disco también se lanzó en Estados Unidos bajo el sello discográfico Sire Records Company con 24 temas, 4 de ellos en inglés "Brushing On Eternity" (Rozando la Eternidad) , "Sweat and Blood" (Entre Salite y Sudor), "The Rules of the Game" (Las Reglas del Juego) y "A Place To Be" (En Algún Lugar), en Reino Unido con el sello Creation Records y en Japón por JVC.

01.Rozando la eternidad
02.El día que fue
03.Rosa gris
04.El nuevo calor
05.Dulce aroma
06.El viejo camino de la vía del tren
07.Cuento de la canción en la botella
08.Entre salitre y sudor
09.Mujer sobre el papel
10.Camisas limpias
11.Amarga
12.El camino de la piel
13.La casa del enterrador
14.Rosas en agua
15.Tras la cortina
16.Las reglas del juego
17.Historias tristes
18.Música ratonera
19.El chico de los ojos asustados
20.Dulce tentación
21.Cayendo el cielo
22.En el andén
23.Palabras sin nombre
24.Paraguas una tarde de diciembre gris
25.El maniquí
26.Un punto más
27.Mi fiel talismán
28.Carne de bar
29.El ritmo de la calle
30.Fiesta y vino

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Queen - Live Killers

Publicado el 22 de junio de 1979, "Live Killers" es el primer álbum en directo de Queen grabado durante la gira europea "Jazz Tour" y mezclado en los Mountain Studios de Montreux, con el que los británicos fueron Disco de Oro en Reino Unido y Doble Disco de Platino en Estados Unidos. El álbum fue grabado en vivo durante la etapa europea del Jazz Tour, entre el 26 de enero y el 1 de marzo de 1979, capturando a Queen en uno de sus momentos más poderosos como banda en directo. El álbum fue autoproducido por la banda y fue el primero en ser mezclado en sus propios estudios, Mountain Studios en Montreux, Suiza, lo que les permitió un control total sobre el sonido final y la selección de las mejores interpretaciones de múltiples conciertos. 

01.We Will Rock You (Fast Version)
02.Let Me Entertain You
03.Death On Two Legs (Dedicated To...
04.Killer Queen
05.Bicycle Race
06.I'm In Love With My Car
07.Get Down, Make Love
08.You're My Best Friend
09.Now I'm Here
10.Dreamer's Ball
11.Love of My Life
12.'39
13.Keep Yourself Alive
14.Don't Stop Me Now
15.Spread Your Wings
16.Brighton Rock
17.Bohemian Rhapsody
18.Tie Your Mother Down
19.Sheer Heart Attack
20.We Will Rock You
21.We Are the Champions
22.God Save The Queen

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"Live Killers" presenta un repertorio que abarca desde los primeros éxitos de la banda hasta material de su entonces reciente álbum "Jazz", incluyendo versiones espectaculares de clásicos como "We Will Rock You", "Bohemian Rhapsody", "We Are the Champions" y "Now I'm Here". El álbum destaca especialmente por las interpretaciones magistrales de Freddie Mercury, quien demostraba en el escenario toda su capacidad como showman, y por los solos instrumentales de Brian May, particularmente notable en "Brighton Rock". A pesar de no incluir un sencillo de éxito que impulsara las ventas, como posteriormente reconocería la propia banda, "Live Killers" logró un éxito comercial considerable y estableció a Queen como una de las mejores bandas en directo del mundo. El álbum sirvió como testimonio perfecto de la energía y teatralidad que caracterizaban los conciertos de Queen, consolidando su reputación como una de las fuerzas más poderosas del rock en vivo de finales de los años setenta. 

Queen interpretando la canción "Somebody To Love" durante el concierto que ofrecieron en el Hammersmith Odeon de Londres el 26 de diciembre de 1979. 

Edvard Grieg - Morning Mood (La Mañana)

Video de la composición de Peer Gynt, Op. 23, escrita por Edvard Grieg en 1886 "Morning Mood" (en español, "La Mañana") como música incidental del drama del mismo nombre de Henrik Ibsen, e incluida también como el primero de los cuatro movimientos de Peer Gynt Suite No. 1, Op. 46. La melodía en la pieza alterna entre la flauta de concierto occidental y el oboe, y retrata la salida del sol durante el Acto IV, del drama de Ibsen.

Hoy celebramos el #DíadelaMúsica
para promover el trasvase musical entre territorios
y el intercambio cultural
sin importar el estilo musical
ni el origen de los artistas. https://t.co/M5FCayyRgF

— El Gran Musical (@gran_musical) June 21, 2020

Neil Young - Tonight's the Night

Grabado en 1973 y publicado por Reprise Records el 20 de junio de 1975, "Tonight's the Night" es el sexto álbum de estudio del músico canadiense Neil Young, un disco que alcanzó el puesto 25 en la lista estadounidense Billboard 200, y en 2003 la revista Rolling Stone lo situó en el puesto 355 de la lista de los 500 mejores discos de todos los tiempos. "Tonight's the Night" es una expresión del dolor que Neil Young sintió por la muerte de dos amigos, Danny Whitten y Bruce Berry, ambos fallecidos a causa de una sobredosis en los meses previos a la grabación del álbum, y es en el propio tema que le da título que menciona explícitamente el nombre de Berry, mientras que Whitten aparece como guitarrista y vocalista del tema "Come On Baby Let's Go Downtown" grabado en directo en el Fillmore East de Nueva York en 1970. El disco fue grabado principalmente en agosto y septiembre de 1973, pero fue archivado temporalmente por la discográfica Reprise Records por considerarlo un sucesor inadecuado de su exitoso álbum anterior "Harvest" de 1972. Durante estos dos años de espera, Young siguió lidiando con el trauma personal y las presiones comerciales que rodeaban su carrera. El álbum forma parte de lo que los críticos llaman "The Ditch Trilogy", junto con "Time Fades Away" y "On the Beach", una trilogía que representó la respuesta artística de Young al éxito comercial que había alcanzado con "Heart of Gold". 

01.Tonight's the Night
02.Speakin' Out
03.World on a String
04.Borrowed Tune
05.Come On Baby Let's Go Downtown
06.Mellow My Mind
07.Roll Another Number (For the Road)
08.Albuquerque
09.New Mama
10.Lookout Joe
11.Tired Eyes
12.Tonight's the Night (Pt. II)

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"Tonight's the Night" es crudo, íntimo y deliberadamente descuidado en su producción, reflejando el estado emocional devastado del artista. Las canciones fueron grabadas con Crazy Horse en sesiones nocturnas alimentadas por alcohol y dolor, creando una atmósfera fantasmal que captura perfectamente el luto y la pérdida. A pesar de su oscuridad temática y su sonido áspero, el álbum se ha convertido con el tiempo en una de las obras más respetadas de Young, considerado un testimonio honesto y valiente sobre la adicción, la muerte y la supervivencia artística. 

Camarón - La Leyenda del Tiempo

Publicado el 16 de junio de 1979, "La Leyenda del Tiempo" es el décimo álbum del cantaor andaluz José Monge Cruz, más conocido como Camarón, un disco que está considerado una de las obras más importantes en la historia del flamenco, ya que supuso una auténtica revolución al incluir sonoridades propias del mundo del jazz, el rock y las tradiciones orientales.

En el álbum hay varias adaptaciones de poemas de Federico García Lorca con música de Alameda, que fueron co-productores además de Ricardo Pachón, y cuenta con colaboradores como Tomatito, Kiko Veneno y los hermanos Rafael y Raimundo Amador. Esta fusión entre la poesía lorquiana y la experimentación musical creó momentos de extraordinaria intensidad, especialmente en la canción que da título al álbum, donde se combinan elementos del cante jondo tradicional con instrumentación eléctrica, sintetizadores y ritmos propios del rock.

La estructura musical del álbum rompe con los cánones tradicionales del flamenco al incorporar guitarras eléctricas, bajos, baterías y efectos electrónicos que crean paisajes sonoros totalmente nuevos dentro del género. Canciones como "Volando Voy" combinan el cante tradicional con bases rítmicas rockeras, mientras que otros temas exploran territorios cercanos al jazz fusion, manteniendo siempre la esencia flamenca a través de la voz inconfundible de Camarón.

01.La leyenda del tiempo
02.Romance del Amargo
03.Homenaje a Federico
04.Mi niña se fue a la mar
05.La Tarara
06.Volando voy
07.Bahía de Cádiz
08.Viejo mundo
09.Tangos de la Sultana
10.Nana del caballo grande

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La recepción inicial fue enormemente controvertida, dividiendo tanto a críticos como a aficionados entre quienes lo consideraron una obra maestra innovadora y quienes lo vieron como una traición a la tradición. Se cuenta que hubo seguidores que, tras escuchar el disco, acudían a las tiendas para devolverlo diciendo que "ése no era Camarón", manifestando el desconcierto ante esta transformación radical respecto a sus trabajos anteriores con Paco de Lucía. Sin embargo, con el tiempo ha sido reconocido universalmente como un hito fundamental que legitimó la experimentación en el flamenco, influyendo en generaciones posteriores de artistas.

"La Leyenda del Tiempo" representa el momento más arriesgado y visionario de la carrera de Camarón, un álbum que demostró que el flamenco podía evolucionar sin perder su esencia, estableciendo un precedente que continúa inspirando a músicos de todo el mundo y consolidando su figura como uno de los artistas más revolucionarios de la música española.

Joy Division - Unknown Pleasures

Grabado entre el 1 y 17 de abril de 1979 en los Strawberry Studios en Stockport (Inglaterra) y publicado el 15 de junio de 1979, "Unknown Pleasures" es el primer álbum de estudio de la banda británica Joy Division, convirtiéndose inmediatamente en una obra fundamental que redefinió los límites del post-punk y estableció las bases del rock alternativo posterior. Musicalmente, el álbum supuso una ruptura radical con las convenciones del punk tradicional, desarrollando un sonido oscuro, atmosférico y profundamente emocional que conjugaba la intensidad del punk con una sofisticación sonora inédita. La producción de Martin Hannett dotó a las canciones de una espacialidad y profundidad que amplificaba la desesperación existencial de las letras de Ian Curtis, creando paisajes sonoros claustrofóbicos que reflejaban perfectamente el estado mental del vocalista. Temas como "Love Will Tear Us Apart", "Disorder" y "She's Lost Control" se convirtieron en himnos generacionales, estableciendo un nuevo lenguaje musical que influenciaría decisivamente al indie y al rock alternativo de las décadas siguientes. La combinación del bajo hipnótico de Peter Hook, la batería mecánica de Stephen Morris, las guitarras angulares de Bernard Sumner y la voz desgarradora de Curtis creó una alquimia única e irrepetible.

01.Disorder
02.Day of the Lords
03.Candidate
04.Insight
05.New Dawn Fades
06.She's Lost Control
07.Shadowplay
08.Wilderness
09.Interzone
10.I Remember Nothing

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El resultado fue un disco que, pese a su éxito crítico inicial limitado, se convertiría con el tiempo en una obra de culto y referencia obligada. La revista Rolling Stone lo catalogó posteriormente como el vigésimo mejor álbum de su lista "100 Grandes Álbumes Debut de Todos los Tiempos", reconocimiento que confirma su estatus de obra maestra. La icónica portada, que muestra 100 pulsos sucesivos del primer púlsar descubierto obtenidas por The Cambridge Encyclopedia of Astronomy en imágenes generadas desde el Radiotelescopio de Arecibo en Puerto Rico, se convirtió en uno de los diseños más reconocibles de la historia del rock, simbolizando perfectamente la intersección entre ciencia, arte y música que caracterizaba la propuesta de Joy Division. "Unknown Pleasures" permanece como un testimonio único de creatividad y dolor, un álbum que capturó el espíritu de una época y estableció nuevos paradigmas musicales que siguen resonando décadas después de su creación. 

Dead Souls - (en directo) 11 de abril 1980

Joy Division tocando "Dead Souls" en el Teatro Apolo de Manchester el 27 de octubre de 1979.

Alanis Morissette - Jagged Little Pill

Publicado el 13 de junio de 1995, "Jagged Little Pill" es el tercer álbum de estudio de Alanis Morissette y marcó su salto definitivo al mercado internacional tras dos discos de pop adolescente en Canadá que pasaron desapercibidos. La colaboración con el productor Glen Ballard resultó transformadora, creando un sonido que fusionaba rock alternativo, grunge y pop con una honestidad emocional que cortaba como cristal. Musicalmente, el álbum supuso una reinvención radical: guitarras más agresivas, arreglos dinámicos y, sobre todo, una voz que oscilaba entre susurros íntimos y rugidos desgarradores. Canciones como "You Oughta Know", con Flea al bajo y Dave Navarro a la guitarra, establecieron un nuevo estándar de vulnerabilidad furiosa, mientras que "Ironic" y "Hand in My Pocket" demostraron que la profundidad emocional podía convivir con melodías pegadizas.

01.All I Really Want
02.You Oughta Know
03.Perfect
04.Hand In My Pocket
05.Right Through You
06.Forgiven
07.You Learn
08.Head Over Feet
09.Mary Jane
10.Ironic
11.Not The Doctor
12.Wake Up
13.You Oughta Know (Jimmy the Saint Blend)/ Your House (A Cappella)

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"Jagged Little Pill" fue un fenómeno cultural que vendió más de 33 millones de copias mundialmente, convirtiéndose en el álbum debut internacional de una artista femenina más exitoso de la historia. Permaneció 12 semanas en el número 1 del Billboard 200 y arrasó en los Grammy 1996, llevándose cinco estatuillas incluyendo Álbum del Año. La recepción fue positiva tanto por crítica como por público. En un panorama dominado por el grunge masculino y el pop manufacturado, Morissette ofreció una tercera vía: rock auténtico con perspectiva femenina, sin disculpas ni concesiones. Su éxito abrió puertas para toda una generación de cantautoras que no tenían que elegir entre ser comerciales o auténticas. Más de 25 años después, "Jagged Little Pill" mantiene su relevancia. Su adaptación teatral ganó dos Tony Awards en 2020, y sus temas, ansiedad, trauma, empoderamiento, búsqueda de identidad, siguen resonando. Un álbum que funcionó como catarsis personal y se convirtió en himno generacional, redefiniendo lo que la música popular podía lograr cuando la vulnerabilidad se canaliza con talento genuino. 

Silvio Rodríguez - Para La Espera

Hoy se ha publicado el nuevo álbum de Silvio Rodríguez titulado "Para La Espera", el vigésimo disco como solista del cantautor cubano que dedica a a la memoria de varios amigos recientemente fallecidos como el artista español Luis Eduardo Aute, el historietista cubano Juan Padrón Blanco, el cineasta y escritor cubano Tupac Pinilla, el escritor y periodista chileno Luis Sepúlveda, el locutor, actor y humorista argentino Marcos Mundstock y el cantautor mexicano Óscar Chávez.
De los trece temas que componen el álbum grabado en los estudios Ojalá en la ciudad de La Habana entre los años 2010 y 2020, ya se conocían "Jugábamos a Dios" (2010) tema compuesto para la película "Afinidades" de Jorge Perugorría y Vladimir Cruz, "Viene la Cosa" (2016) y "Noche Sin Fin y Mar" (2017), tema que dedica a Luis Eduardo Aute.

01.La Adivinanza
02.Aunque No Quiero, Veo Que Me Alejo
03.Conteo Atrás
04.Noche Sin Fin y Mar
05.Viene la Cosa
06.Jugábamos a Dios
07.Si Lucifer Volviera al Paraíso
08.Una Sombra
09.Los Aliviadores
10.Modo Frigio (Tema Soñado)
11.Danzón para la Espera
12.Después de Vivir
13.Página Final (Instrumental)

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Skid Row - Slave To The Grind

Publicado el 11 de junio de 1991 por Atlantic Records, "Slave to the Grind" es el segundo álbum de estudio de Skid Row y un hito en la historia del heavy metal. Fue el primer álbum de heavy metal en debutar directamente en el número 1 del Billboard 200, un logro que subrayó el impacto y la popularidad creciente de la banda en ese momento.

01.Monkey Business
02.Slave To The Grind
03.The Threat
04.Quicksand Jesus
05.Psycho Love
06.Get The Fuck Out
07.Livin' On A Chain Gang
08.Creepshow
09.In A Darkened Room
10.Riot Act
11.Mudkicker
12.Wasted Time

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Aunque no superó las ventas de su exitoso álbum debut "Skid Row" (1989), "Slave to the Grind" fue certificado doble platino en Estados Unidos, plata en Reino Unido y platino en Canadá. Con un sonido más agresivo y oscuro que su predecesor, el disco consolidó a Skid Row como una fuerza importante dentro del metal de principios de los 90, con canciones que combinaron potencia, técnica y letras que reflejaban una actitud más desafiante.

Jarabe De Palo - Depende

Publicado en 1998 por Virgin Records, "Depende" es el segundo álbum de estudio del grupo Jarabe De Palo, un disco producido por Joe Dworniak en los estudios Moody de Londres que cuenta con las colaboraciones de Ketama y de Celia Cruz.
Jarabe De Palo estaba liderado por el músico Pau Donés, que falleció ayer a los 53 años.
Descanse en paz.

01.Depende
02.Pura sangre
03.Te miro y tiemblo (con Ketama)
04.La plaza de las palmeras
05.Realidad o sueño
06.Agua
07.Perro apaleao
08.Vivo en un saco
09.Toca mi canción
10.Duerme conmigo
11.Vive y deja vivir
12.Mi mundo en tu mano
13.Adiós
14.A lo loco (con Celia Cruz)

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Jarabe De Palo tocando el tema "Depende" en el Festival Vive Latino de 2017.

Red Hot Chili Peppers - Californication

Publicado el 8 de junio de 1999, "Californication" es el séptimo álbum de estudio de Red Hot Chili Peppers y uno de los más trascendentales en la historia de la banda. Este disco marcó el regreso de John Frusciante como guitarrista, tras su ausencia en "One Hot Minute" (1995), y su reencuentro con la banda supuso mucho más que un cambio de formación: fue el inicio de una nueva etapa creativa, más melódica y emocional, sin abandonar la esencia funk-rock que los caracterizaba. "Californication" es, además, el álbum más vendido de su carrera, con más de 16 millones de copias en todo el mundo, impulsado por sencillos como “Scar Tissue”, “Otherside” o la propia “Californication”. Las letras, firmadas por Anthony Kiedis, exploraban temas más introspectivos y espirituales, mientras la música mostraba una evolución hacia un sonido más maduro y accesible, sin perder frescura.

01.Around the World
02.Parallel Universe
03.Scar Tissue
04.Otherside
05.Get on Top
06.Californication
07.Easily
08.Porcelain
09.Emit Remmus
10.I Like Dirt
11.This Velvet Glove
12.Savior
13.Purple Stain
14.Right on Time
15.Road Trippin'

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Producido por Rick Rubin, el disco fue un éxito tanto comercial como crítico, y en 2007 fue incluido en la lista de “Los 200 álbumes definitivos que todo amante de la música debería tener”, elaborada por la National Association of Recording Merchandisers y el Salón de la Fama del Rock and Roll. Más que un regreso, Californication fue una reinvención que consolidó el lugar de los Red Hot Chili Peppers como una de las bandas más influyentes del rock alternativo de finales de los 90 y principios de los 2000. 

Bruce Springsteen - Born In The U.S.A.

Publicado el 4 de junio de 1984, "Born In The U.S.A." es el séptimo álbum de estudio de Bruce Springsteen y uno de los más exitosos de su carrera, tanto a nivel comercial como cultural. El disco se convirtió en un fenómeno global, con más de 30 millones de copias vendidas en todo el mundo, incluyendo más de 15 millones solo en Estados Unidos, donde obtuvo una acogida masiva. De sus 12 canciones, siete se lanzaron como sencillos y todas alcanzaron el Top 10 del Billboard Hot 100, una hazaña que sólo había logrado anteriormente "Thriller" de Michael Jackson. Aunque la canción que da título al álbum fue malinterpretada por muchos como un himno patriótico, su letra encierra una dura crítica social sobre el trato a los veteranos de Vietnam y la desilusión del trabajador estadounidense.  

01.Born In The U.S.A.
02.Cover Me
03.Darlington County
04.Working On the Highway
05.Downbound Train
06.I'm On Fire
07.No Surrender
08.Bobby Jean
09.I'm Goin' Down
10.Glory Days
11.Dancing In The Dark
12.My Hometown

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Musicalmente, el álbum combina el característico sonido de rock de Springsteen con una producción más accesible y orientada al pop-rock de estadio, lo que ayudó a ampliar su audiencia. "Born In The U.S.A." consolidó a Springsteen como un icono cultural de los años 80 y sigue siendo uno de los discos más influyentes de esa década.

Queen - A Kind of Magic

Publicado el 2 de junio de 1986 en el Reino Unido y un día después en Estados Unidos, "A Kind of Magic" es el duodécimo álbum de estudio de Queen. Gran parte del disco está compuesto por canciones creadas para la película Highlander (Los Inmortales), dirigida por Russell Mulcahy, aunque no es una banda sonora oficial como tal. El álbum incluye varios temas directamente relacionados con la película, como “Princes of the Universe”, “Who Wants to Live Forever”, “Gimme the Prize” y la propia “A Kind of Magic”, esta última reformulada por Roger Taylor a partir de una frase pronunciada por el personaje de Christopher Lambert. No obstante, algunas canciones no forman parte de Highlander: “One Vision”, compuesta inicialmente como homenaje a Martin Luther King Jr., fue utilizada como tema principal de la película Iron Eagle (Águila de Acero), mientras que “Friends Will Be Friends” y “Pain Is So Close to Pleasure” fueron creadas de manera independiente. 

01.One Vision
02.A Kind Of Magic
03.One Year of Love
04.Pain Is So Close To Pleasure
05.Friends Will Be Friends
06.Who Wants To Live Forever
07.Gimme The Prize (Kurgan's Theme)
08.Don't Lose Your Head
09.Princes Of The Universe

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Con una producción más pulida y orientada al pop rock, el álbum tuvo una gran acogida, especialmente en Europa, alcanzando el número 1 en Reino Unido. Incluye tanto baladas emotivas como himnos épicos, y fue acompañado por una de las giras más exitosas del grupo, The Magic Tour, la última con Freddie Mercury. 

Black Lives Matter #BlackoutDay

"Nadie nace odiando al otro por el color de su piel, su origen, o su religión. El odio se enseña, y si se puede aprender a odiar, también se puede enseñar a amar, pues el amor es más connatural al corazón humano que lo opuesto".   Nelson Mandela

The Beatles - Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band

Publicado el 1 de junio de 1967, "Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band" es el octavo álbum de estudio de The Beatles, y uno de los discos más revolucionarios e influyentes en la historia de la música popular. Concebido como un "álbum conceptual", el grupo adoptó la identidad ficticia de una banda militar psicodélica, liberándose así de las expectativas convencionales y experimentando con nuevas técnicas de grabación y estilos musicales. Grabado en los estudios Abbey Road entre diciembre de 1966 y abril de 1967, el disco introdujo una fusión sin precedentes de géneros: desde la música psicodélica, el rock sinfónico y el music hall, hasta influencias de la música india, como en “Within You Without You”. Fue también pionero en el uso de la tecnología de estudio, incorporando técnicas innovadoras de producción, orquestación y mezcla a manos de George Martin. 

01.Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band
02.With A Little Help From My Friends
03.Lucy In The Sky With Diamonds
04.Getting Better
05.Fixing A Hole
06.She's Leaving Home
07.Being For The Benefit Of Mr. Kite!
08.Within You Without You
09.When I'm Sixty-Four
10.Lovely Rita
11.Good Morning Good Morning
12.Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (Reprise)
13.A Day In The Life

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"Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band" recibió el Grammy al Álbum del Año en 1968 (el primero de rock en conseguirlo) y fue un fenómeno cultural que definió el llamado “Verano del Amor”. Su portada, diseñada por Peter Blake y Jann Haworth, se convirtió en un icono del arte pop. En 2003 y 2012, la revista Rolling Stone lo colocó en el puesto número 1 de su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos, reafirmando su estatus como obra maestra. Ha vendido más de 32 millones de copias en todo el mundo y es frecuentemente citado como uno de los trabajos más influyentes en la historia de la música. 

Versión de Rufus T. Firefly de la canción "Lucy in the Sky with Diamonds" de The Beatles .