Dio - Master Of The Moon

Publicado el 30 agosto de 2004, "Master Of The Moon" es el décimo y último álbum de estudio de la banda Dio, un disco que marca el retorno del guitarrista Craig Goldy, quien también participó en los discos Dream Evil (1987) y Magica (2000). También participan de la grabación del disco el bajista Jeff Pilson, el baterista Simon Wright y el teclista Scott Warren. Es el último trabajo de estudio de la banda ya que en 2006 su cantante Ronnie James Dio se unió a Heaven And Hell, agrupación conformada por la alineación de Black Sabbath de la era con Ronnie.

 

01.One More for the Road
02.Master of the Moon
03.The End of the World
04.Shivers
05.The Man Who Would Be King
06.The Eyes
07.Living the Lie
08.I Am
09.Death by Love
10.In Dreams

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Helloween - Keeper Of The Seven Keys, Pt. 2

Publicado el 29 de agosto de 1988, "Keeper Of The Seven Keys, Pt. 2" es el cuarto álbum de estudio de Helloween, y el disco que catapultó definitivamente a la banda alemana al estrellato internacional. Era la culminación de todo lo que habían estado construyendo desde sus inicios. Este álbum los encumbró mundialmente y se convirtió en el más vendido de su carrera, cifras que hablaban de su capacidad para crear power metal que funcionaba tanto en Alemania como en el resto del mundo. Helloween había encontrado la fórmula perfecta entre velocidad, melodía y espectacularidad. El disco contenía algunas de sus canciones más famosas, "Rise And Fall", "Dr. Stein", "March Of Time", "I Want Out", "Eagle Fly Free" y la épica "Keeper Of The Seven Keys". Cada tema se convirtió en un clásico del género, demostrando que la banda tenía una capacidad compositiva extraordinaria. 

 

01.Invitation
02.Eagle Fly Free
03.You Always Walk Alone
04.Rise And Fall
05.Dr. Stein
06.We Got The Right
07.March Of Time
08.I Want Out
09.Keeper Of The Seven Keys
10.Save Us

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"I Want Out" especialmente se transformó en un himno generacional, con esa combinación irresistible de riffs potentes y melodías pegadizas que caracterizaba el mejor power metal. Michael Kiske estaba en su mejor momento vocal, y la sección rítmica proporcionaba la base perfecta para que las guitarras brillaran. "Keeper Of The Seven Keys, Pt. 2" prácticamente definió los estándares del power metal europeo. Era épico sin ser pretencioso, técnico sin perder accesibilidad, y poderoso sin sacrificar las melodías. Helloween había creado un sonido que influenciaría a generaciones enteras de bandas de metal, consolidando su lugar en la historia del género.

Iron Maiden - A Matter of Life and Death

Publicado el 28 de agosto de 2006, "A Matter of Life and Death" es el decimocuarto álbum de Iron Maiden, y llegaba en un momento en que muchos pensaban que la banda ya había dado lo mejor de sí. Se equivocaban completamente. Iron Maiden abordó temáticas profundas como la guerra y la religión, temas que Bruce Dickinson y Steve Harris exploraron con la madurez de músicos veteranos pero manteniendo la intensidad de siempre. Reflexiones serias envueltas en riffs poderosos y melodías épicas. El álbum hizo historia de varias maneras. Se convirtió en el primer álbum de heavy metal en debutar en el puesto 4 en la India y después alcanzar el número 1, demostrando que Iron Maiden tenía un alcance global que pocas bandas de metal pueden presumir. Era una validación de décadas construyendo una audiencia fiel alrededor del mundo.

 

01.Different World
02.These Colours Don't Run
03.Brighter Than a Thousand Suns
04.The Pilgrim
05.The Longest Day
06.Out of the Shadows
07.The Reincarnation of Benjamin Breeg
08.For the Greater Good of God
09.Lord of Light
10.The Legacy

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El éxito no fue sólo comercial. La crítica especializada recibió el disco con entusiasmo, y Iron Maiden consiguió su primer top 10 en la lista estadounidense Billboard 200, algo que había tardado en llegar pero que demostraba su relevancia continuada. La revista Classic Rock le otorgó el premio al mejor álbum del año, reconocimiento que hablaba de su calidad artística. "A Matter of Life and Death" demostró que Iron Maiden seguía siendo una fuerza creativa vital, capaz de crear material nuevo que estaba a la altura de sus clásicos. Era una banda veterana que se negaba a vivir solo de nostalgia.

HIM - Deep Shadows And Brilliant Highlights

Publicado el 27 de agosto de 2001, "Deep Shadows And Brilliant Highlights" es el tercer álbum de estudio del grupo finlandés HIM, y llegaba en un momento en que la banda de Ville Valo estaba preparada para dar el salto definitivo al éxito europeo. HIM había construido su reputación con esa mezcla única que ellos mismos denominaban "love metal", la combinación de melodías románticas con la potencia del metal, algo que sonaba contradictorio sobre el papel pero que funcionaba perfectamente en sus manos. Ville Valo tenía esa voz profunda y melancólica que encajaba ideal con letras que hablaban de amor, muerte y todo lo que existía entre ambos extremos. El éxito del álbum fue arrollador, especialmente en el norte de Europa. Alcanzó el número 1 tanto en Finlandia como en Austria, y llegó al número 2 en Alemania, demostrando que HIM había trascendido las fronteras de su país natal. 

 

01.Salt In Our Wounds
02.Heartache Every Moment
03.Lose You Tonight
04.In Joy And Sorrow
05.Pretending
06.Close To The Flame
07.Please Don't Let It Go
08.Beautiful
09.Don't Close Your Heart
10.Love You Like I Do

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Más de 400,000 copias vendidas en el primer año no era poca cosa para una banda de metal alternativo. El título "Deep Shadows And Brilliant Highlights" capturaba perfectamente la estética de HIM, esa fascinación por los contrastes, por la belleza que se encuentra en la oscuridad y viceversa. Era música para románticos góticos, pero con suficiente gancho melódico para llegar a audiencias más amplias. El disco consolidó a HIM como una de las exportaciones musicales más exitosas de Finlandia, demostrando que el "love metal" tenía mercado internacional.

Extremoduro - Rock Transgresivo

Remezclado, regrabado parcialmente y publicado el 26 de agosto de 1994 con temas nuevos, "Rock Transgresivo" es el título tanto de la maqueta como de esta reedición del primer álbum de estudio de Extremoduro, que originalmente había salido en 1989 bajo el título "Tú en tu casa, nosotros en la hoguera". Para 1994, Extremoduro ya había consolidado su reputación como una de las bandas más auténticas y transgresoras del panorama español. Robe Iniesta y compañía habían demostrado que se podía hacer rock en español sin complejos, con letras directas y una actitud que conectaba especialmente con el público joven. La decisión de reeditar su primer trabajo tenía sentido, cinco años después, la banda tenía más recursos, mejor producción y, sobre todo, una audiencia mucho mayor que apreciaría esas canciones que habían marcado sus inicios. No era sólo nostalgia, sino la oportunidad de presentar esas composiciones con la calidad que merecían.

01.Extremaydura
02.Emparedado
03.Decidí
04.Romperás
05.Adiós, abanico, que llegó el aire
06.Arrebato
07.Jesucristo García
08.La hoguera
09.Te juzgarán sólo por tus errores (yo no)
10.Caballero andante (¡no me dejéis así!)
11.Extremaydura (versión 2004)
12.Jesucristo García (versión 2004)
13.Amor castúo (versión 2004)
14.Decidí (versión 2004)
15.Arrebato (versión 2004)

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Los temas nuevos añadidos le daban valor extra a la reedición, ofreciendo material inédito a los fans que ya conocían el álbum original. Era una forma inteligente de hacer que tanto seguidores antiguos como nuevos tuvieran razones para comprarlo. El éxito llegó gradualmente pero de forma sólida. En 1999, "Rock Transgresivo" alcanzó el estatus de Disco de Oro, validación comercial que demostraba que el rock español podía ser tanto artísticamente honesto como comercialmente viable. Extremoduro había encontrado la fórmula para mantenerse fieles a sí mismos sin renunciar al éxito. 

Radio Futura - La Canción de Juan Perro

Grabado entre noviembre y diciembre de 1986 en los estudios Sigma Sound de Nueva York, y publicado en 1987, "La Canción de Juan Perro" es el cuarto álbum de estudio de Radio Futura, uno de los mejores discos del grupo que le abre las puertas al mercado latinoamericano. El título del disco proviene de una conversación entre Santiago Auserón y Ricardo Teixidó : "Estábamos una noche de juerga por La Coruña y Ricardo me dijo que yo era un Juan Perro, un don nadie sin casa. Me gustó la imagen literaria. Todos somos Juan Perro."

En 2010 fue considerado por la revista Rolling Stone como el 4º mejor disco del rock español.

01.En un baile de perros
02.El hombre de papel
03.A cara o cruz
04.Lluvia del porvenir
05.La negra flor
06.37 grados
07.Annabel Lee
08.Luna de agosto
09.La mala hora
10.El canto del gallo

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Jeff Buckley - Grace

Publicado el 23 de agosto de 1994, "Grace" es el primer y único disco de estudio grabado por el cantautor Jeff Buckley, tres años antes de su trágica muerte. Es uno de esos álbumes que adquieren una dimensión mítica no sólo por las circunstancias, sino por su calidad artística intrínseca. Buckley lucía en este disco esa voz especial que lo distinguía de cualquier otro cantante de su generación. Tenía un rango vocal extraordinario, pero más importante aún era su sensibilidad única para la composición e interpretación. Cada canción mostraba a un artista que entendía la música como algo profundamente emocional y visceral. El álbum se convirtió en una obra maestra reconocida mundialmente. Rolling Stone lo incluyó en el puesto 303 de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos, validación que habla de su importancia perdurable.  

 

01.Mojo Pin
02.Grace
03.Last Goodbye
04.Lilac Wine
05.So Real
06.Hallelujah
07.Lover, You Should've Come Over
08.Corpus Christi Carol
09.Eternal Life
10.Dream Brother
11.

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Se lanzaron cinco sencillos: "Grace", "Last Goodbye", "So Real", "Hallelujah" y "Eternal Life", cada uno mostrando facetas diferentes de su talento. Su versión de "Hallelujah", originalmente escrita por Leonard Cohen, se convirtió en algo legendario. La interpretación simple, sensible y melancólica de Buckley transformó la canción en algo completamente propio, llevándola a ser considerada una obra maestra por derecho propio. Muchos consideran que superó incluso la versión original. "Grace" quedó como testimonio de lo que pudo haber sido una carrera extraordinaria. Es un álbum que sigue emocionando décadas después, demostrando que algunos artistas logran crear algo eterno en un tiempo muy breve.

Rammstein - Sehnsucht

Publicado el 22 de agosto de 1997, "Sehnsucht" es el segundo álbum de estudio de la banda alemana Rammstein, y demostró que el éxito de su debut no había sido casualidad. El disco tuvo un éxito mediático considerable en Europa, llegando al número 1 tanto en Alemania como en Austria. La portada ya advertía que este no era un álbum convencional. Diseñada como un desplegable, revelaba fotografías inquietantes de las caras mutiladas de cada miembro de Rammstein, obra del artista austriaco Gottfried Helnwein. Las imágenes mostraban lo que parecían instrumentos de tortura hechos con alambres superpuestos sobre los rostros de los músicos. La realidad detrás de esas fotografías era aún más fascinante, no eran instrumentos de tortura, sino instrumental quirúrgico original que había pertenecido a Ferdinand Sauerbruch, uno de los cirujanos más famosos de la historia. 

 

01.Sehnsucht
02.Engel
03.Tier
04.Bestrafe mich
05.Du hast
06.Bück dich
07.Spiel Mit Mir
08.Klavier
09.Alter Mann
10.Eifersucht
11.Küss mich (Fellfrosch)

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Esa combinación entre arte, medicina y provocación encajaba perfectamente con la estética de Rammstein. El título "Sehnsucht" (que se traduce como "anhelo" o "nostalgia") contrastaba con la brutalidad visual de la portada, creando esa tensión entre lo bello y lo perturbador que caracterizaba la música de la banda. Era Rammstein refinando su propuesta: más teatral, más provocativa, pero también más sofisticada musicalmente. El álbum consolidó a Rammstein como una fuerza única en el panorama del metal europeo, demostrando que se podía ser comercialmente exitoso sin renunciar a la provocación artística. Era controvertido, pero también irresistiblemente poderoso.

Motörhead - Motörhead

Grabado en "Escape Studios" entre el 27 al 29 de abril de 1977 y publicado el 21 de agosto de ese mismo año, "Motörhead" es el álbum debut de la banda británica de rock Motörhead, y desde el primer momento quedó claro que Lemmy Kilmister había creado algo completamente diferente. Las sesiones fueron rápidas e intensas, apenas tres días para capturar la esencia de una banda que sonaba como si hubiera nacido para tocar a toda velocidad. Lemmy ya tenía experiencia con Hawkwind, pero esto era territorio nuevo, más sucio, más rápido, más agresivo que cualquier cosa que estuviera sonando en ese momento. 

 

01.Motörhead
02.Vibrator
03.Lost Johnny
04.Iron Horse/Born to Lose
05.White Line Fever
06.Keep Us on the Road
07.The Watcher
08.Train Kept A-Rollin'

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La portada marcó el nacimiento de uno de los iconos más reconocibles del rock, Snaggletooth, esa calavera con colmillos y casco creada por el artista Joe Petagno. No era sólo una imagen, sino que capturaba perfectamente el espíritu de Motörhead, amenazante, rebelde y ligeramente siniestro. Petagno había logrado crear un símbolo que perduraría décadas. El interior del álbum tenía ese toque personal que caracterizaba los discos de la época: fotografías de la banda y sus amigos, junto con agradecimientos firmados por Lemmy, Eddie y Phil. Era música hecha entre colegas, sin grandes producciones ni pretensiones artísticas grandilocuentes. "Motörhead" estableció las bases de lo que sería el sonido de la banda durante toda su carrera: ese híbrido entre rock and roll, punk y heavy metal que nadie más había explorado hasta entonces. Era el nacimiento de algo que influenciaría a generaciones enteras. 

Crosby, Stills, Nash & Young - So Far

Publicado el 19 de agosto de 1974, "So Far" es un álbum recopilatorio del grupo Crosby, Stills, Nash & Young, y llegaba en el momento perfecto para resumir los primeros años de una de las superbandas más importantes de la música americana. La selección de canciones incluía cinco de los seis sencillos que había publicado Crosby, Stills, Nash & Young, dejando fuera únicamente "Marrakesh Express". Por primera vez aparecía en un álbum el single "Ohio", esa canción urgente y política que había grabado la banda como respuesta a los disparos de Kent State, junto con su cara B "Find the Cost of Freedom". Los otros cinco temas fueron extraídos de sus dos primeros álbumes de estudio, "Crosby, Stills & Nash" y "Déjà Vu". Era una forma inteligente de presentar lo mejor de ambas etapas, la inicial como trío y la posterior con Neil Young incorporado al grupo.

 

01.Déjà Vu
02.Helplessly Hoping
03.Wooden Ships
04.Teach Your Children
05.Ohio
06.Find the Cost of Freedom
07.Woodstock
08.Our House
09.Helpless
10.Guinnevere
11.Suite: Judy Blue Eyes

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La portada tuvo un toque especial, fue diseñada por Joni Mitchell, quien además había coescrito "Woodstock", una de las canciones más emblemáticas del grupo. Esa conexión artística le daba al álbum una coherencia visual que complementaba perfectamente el contenido musical. "So Far" tuvo vida larga: fue reeditado en CD a mediados de los 80 y nuevamente en 1994, cuando Joe Gastwirt lo remasterizó en Ocean View Digital usando las cintas maestras originales. Esas reediciones permitieron que nuevas generaciones descubrieran la magia de estas armonías vocales que habían definido toda una era. 

AC/DC - Flick Of The Switch

Publicado el 15 de agosto de 1983, "Flick Of The Switch" es el noveno álbum de estudio de AC/DC, y llegaba en un momento especialmente turbulento para el grupo. Grabado en Bahamas poco después de su gira europea del 83, el disco reflejaba tanto la fuerza musical de la banda como sus problemas internos. Los propios AC/DC se hicieron cargo de la producción, decisión que habla de su confianza artística pero que también evidenciaba cierta desconfianza hacia colaboradores externos. El resultado comercial fue sólido, número 4 en Reino Unido y número 15 en Estados Unidos demostraban que la banda mantenía su tirón.

 

01.Rising Power
02.This House Is On Fire
03.Flick Of The Switch
04.Nervous Shakedown
05.Landslide
06.Guns For Hire
07.Deep In The Hole
08.Bedlam In Belgium
09.Badlands
10.Brain Shake

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Las sesiones estuvieron marcadas por el drama personal. Malcolm Young atravesaba problemas serios con el alcohol, creando tensiones que afectaban el ambiente de trabajo. Más grave aún fue la situación de Phil Rudd, quien fue despedido a mitad de la grabación después de completar su parte. Rudd no había logrado superar la muerte de Bon Scott y había caído en las drogas, situación que se volvió insostenible para el resto de la banda. Llamaron a B.J. Wilson para terminar las sesiones, aunque curiosamente nada de lo que grabó se usó en el producto final. Simon Wright, quien después se convertiría en baterista de Dio, fue quien reemplazó oficialmente a Rudd. Incluso apareció en los videoclips de "Flick Of The Switch" y "Nervous Shakedown", marcando visualmente el cambio de era. "Flick Of The Switch" demostró que AC/DC podía seguir funcionando a pesar de los problemas personales, pero también evidenció las grietas que la pérdida de Bon Scott había dejado en el grupo

Led Zeppelin - In Through The Out Door

Publicado el 15 de agosto de 1979, "In Through The Out Door" es el octavo álbum de Led Zeppelin, y uno de los más problemáticos en la historia de la banda. Las circunstancias que rodearon su grabación revelaban las fisuras profundas que ya atravesaban al grupo. La dinámica habitual de Led Zeppelin había cambiado completamente. John Paul Jones y Robert Plant tomaron las riendas creativas, mientras que Jimmy Page y John Bonham a menudo no aparecían a tiempo en el estudio. No era casualidad, Bonham luchaba contra el alcoholismo y Page contra la adicción a la heroína, adicciones que afectaban gravemente su capacidad de trabajo. El título del álbum hacía referencia directa a esos problemas, sumados a tragedias personales como la muerte del hijo de Robert Plant. Era una época oscura para todos los miembros, y eso se reflejaba en la música y en el proceso de grabación. "In Through The Out Door" terminó siendo el último álbum de Led Zeppelin debido a que se separaron al año siguiente, tras la muerte de John Bonham. 

 

01.In the Evening
02.South Bound Saurez
03.Fool In the Rain
04.Hot Dog
05.Carouselambra
06.All My Love
07.I’m Gonna Crawl

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Dos canciones, "South Bound Saurez" y "All My Love", tienen la particularidad de ser las únicas en la historia del grupo donde Jimmy Page no participó en la composición. Las sesiones eran caóticas, muchas canciones se grabaron con Plant y Jones trabajando durante el día, agregándose las partes de Page y Bonham durante la noche. Para "All My Love", Bonham necesitó la ayuda de Jeff Porcaro de Toto, evidenciando lo complicada que se había vuelto la situación. A pesar de todo, el álbum funcionó como un digno final para una de las bandas más importantes del rock. 

Twisted Sister - Love Is For Suckers

Publicado el 13 de agosto de 1987, "Love Is For Suckers" es el quinto álbum de Twisted Sister. Fue el último disco antes de su ruptura y posterior reunión para lanzar "Still Hungry" en 2004, marcando el final de una era para una de las bandas más teatrales del metal de los 80. La historia detrás del álbum es bastante reveladora de los problemas internos que atravesaba el grupo. En principio, este material estaba destinado a ser el primer álbum solista de Dee Snider, el vocalista que prácticamente era la cara visible de Twisted Sister. Pero la presión de la compañía discográfica forzó que saliera bajo el nombre de la banda, creando tensiones evidentes. Esta imposición externa terminó siendo el clavo en el ataúd de Twisted Sister. Durante uno de los conciertos de promoción del disco, el propio Snider anunció públicamente que se retiraría de la banda, dejando claro que ya no había química ni ganas de continuar juntos. 

 

01.Wake Up (The Sleeping Giant)
02.Hot Love
03.Love Is For Suckers
04.I'm So Hot for You
05.Tonight
06.Me and the Boys
07.One Bad Habit
08.I Want This Night (To Last Forever)
09.You Are All That I Need
10.Yeah Right!

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"Love Is For Suckers" también tiene la particularidad de ser el último álbum de Twisted Sister compuesto completamente de material nuevo. Después de la reunión en 2004, la banda se enfocaría más en versiones y reediciones que en composiciones originales. El título resultó ser profético de alguna manera, el amor por la banda se había agotado, al menos temporalmente. Fue el final de una etapa gloriosa, pero también el testimonio de que a veces las mejores cosas llegan a su fin en el momento justo, antes de convertirse en una parodia de sí mismas. 

Red Hot Chili Peppers - The Red Hot Chili Peppers

Grabado en abril y publicado el 10 de agosto de 1984, "The Red Hot Chili Peppers" es el álbum debut homónimo de los Red Hot Chili Peppers, un disco lanzado con la banda en desacuerdo con la producción y que fracasó en llegar al Billboard 200, quedando en el puesto #201, aunque sí consiguió algo de exposición en la MTV, por lo que crearon una base de fans.

 

01.True Men Don't Kill Coyotes
02.Baby Appeal
03.Buckle Down
04.Get Up and Jump
05.Why Don't You Love Me
06.Green Heaven
07.Mommy, Where's Daddy?
08.Out In L.A.
09.Police Helicopter
10.You Always Sing the Same
11.Grand Pappy Du Plenty
12.Get Up and Jump (Demo)
13.Police Helicopter (Demo)
14.Out In L.A. (Demo)
15.Green Heaven (Demo)
16.What It Is (Demo) (AKA Nina's Song)

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Además de las 11 pistas de la versión original de 1984, el disco trae las primeras versiones de "Get Up and Jump", "Police Helicopter", "Out in L.A." y "Green Heaven", grabadas en el año 1983, con Hillel Slovak y Jack Irons. También se encuentra el tema "What It Is", compuesta en solitario por Anthony Kiedis y Flea a pedido de la cantante Nina Hagen, quien incluyó la canción en su álbum de 1983 "Angstlos"

Jon Bon Jovi - Blaze Of Glory

Publicado el 7 de agosto de 1990, "Blaze Of Glory" marcó el debut en solitario de Jon Bon Jovi, y llegó por una de esas casualidades que a veces definen las carreras musicales. Todo empezó cuando Emilio Estévez quería usar "Wanted Dead or Alive" para la secuela de Young Guns. Pero en lugar de simplemente ceder los derechos, Jon Bon Jovi decidió componer algo completamente nuevo para la banda sonora de Young Guns II. Esa decisión resultó ser brillante. El disco lo acompañaron músicos de primera línea: Jeff Beck en la guitarra y Kenny Aronoff a la batería, entre otros. Pero las colaboraciones no pararon ahí. Elton John, Little Richard y nuevamente Jeff Beck aparecían como invitados, dándole al álbum un peso que iba mucho más allá de ser "sólo" una banda sonora. El sencillo que daba título al álbum fue un éxito arrollador. Llegó al número 1 en Billboard Hot 100 en septiembre del 90, demostrando que Jon Bon Jovi podía funcionar perfectamente fuera de su banda. 

01.Billy Get Your Guns
02.Miracle
03.Blaze Of Glory
04.Blood Money
05.Santa Fe
06.Justice in the Barrel
07.Never Say Die
08.You Really Got Me Now
09.Bang a Drum
10.Dyin' Ain't Much of a Livin
11.Guano City

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Pero el reconocimiento fue más allá de lo comercial: ganó un Globo de Oro a Mejor Canción Original y recibió una nominación al Oscar en la misma categoría. "Blaze Of Glory" demostró que Jon Bon Jovi tenía personalidad artística propia, capaz de crear material que funcionaba tanto en el contexto cinematográfico como de forma independiente.

Barry White - Can't Get Enough

Grabado entre mayo y octubre de 1973 y publicado el 6 de agosto de 1974, "Can't Get Enough" es el tercer álbum de estudio del cantante, compositor y productor estadounidense Barry White. Con su inconfundible voz profunda, White consolidó su estilo romántico y orquestal en este trabajo, que incluye dos de sus mayores éxitos: "Can't Get Enough of Your Love, Babe" y "You're the First, the Last, My Everything", ambos nº 1 en la lista Billboard R&B. 

01.Mellow Mood (Pt. 1)
02.You're the First, the Last, My Everything
03.I Can't Believe You Love Me
04.Can't Get Enough of Your Love, Babe
05.Oh Love, Well We Finally Made It
06.I Love You More Than Anything (In This World Girl)
07.Mellow Mood" (Pt. 2)

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El disco fue un rotundo éxito comercial y artístico, considerado una de las obras clave del soul y el R&B de los años 70. En 2003, "Can't Get Enough" fue incluido en el puesto nº 281 de la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos elaborada por la revista Rolling Stone.

Def Leppard - Hysteria

Publicado el 3 de agosto de 1987, "Hysteria" es el cuarto álbum de estudio de Def Leppard y su obra más exitosa hasta la fecha, con más de 30 millones de copias vendidas en todo el mundo. Producido por el legendario Robert John “Mutt” Lange, el disco supuso un hito del rock y del llamado hair metal, al punto de liderar el ranking de los mejores álbumes del género según Rolling Stone. También fue elegido por los lectores de Q Magazine como uno de los mejores discos de todos los tiempos y se coló en el top 500 de la historia para la revista Rolling Stone.

 

01.Women
02.Rocket
03.Animal
04.Love Bites
05.Pour Some Sugar On Me
06.Armageddon It
07.Gods Of War
08.Don't Shoot Shotgun
09.Run Riot
10.Hysteria
11.Excitable
12.Love And Affection

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Éxito comercial, perfección de estudio y himnos para la eternidad como “Pour Some Sugar on Me” o “Love Bites”, "Hysteria" es, sin duda, el gran legado de Def Leppard.

Midnight Oil - Diesel And Dust

Publicado el 2 de agosto de 1987, "Diesel and Dust" es el sexto álbum de estudio de la banda australiana Midnight Oil y uno de los más influyentes del rock comprometido. Se trata de un disco conceptual que denuncia la marginación de los pueblos aborígenes australianos y defiende con firmeza causas medioambientales, reflejando el fuerte activismo social y político de la banda. 

 

01.Beds Are Burning
02.Put Down That Weapon
03.Dreamworld
04.Arctic World
05.Warakurna
06.The Dead Heart
07.Whoah
08.Bullroarer
09.Sell My Soul
10.Sometimes
11.Gunbarrel Highway

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Con su sonido directo y letras cargadas de conciencia, "Diesel and Dust" conectó con audiencias globales gracias a temas como Beds Are Burning, que se convirtió en un himno por la justicia. Su impacto no pasó desapercibido: en 1989, Rolling Stone lo incluyó en el puesto n.º 13 de su lista de los 100 mejores álbumes de los años 80.